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Tracklisting: 1. Take Off At Once 2. Hot & Strong 3. Rancho Park Desert 4. Whispers 5. Running Out Of Love 6. Room 69 7. 7 Drops 8. Welcome To Paradise 9. Kiss From Paris 10. Foolish Fervours

Rarement un voyage musical et verbal aura été aussi impressionnant et éprouvant; à la fin de l'écoute de ce remarquable album, l'auditeur sort abasourdi et heureux, après avoir traversé de nombreuses épreuves auprès des musiciens eux-mêmes, des remises en question, des envies de foncer tête baissée à la recherche d'un sens, d'un voyage initiatique fait d'expériences en tous genres, d'interrogations, de montées d'adrénaline et de besoins de caféine, d'énergie poussée jusqu'à l'épuisement. Au départ, nos filles sont sous pression, et celà se ressent; alors il faut fuir, rouler à pleine vitesse, et vivre. Rarement, on sera passé de la violence des envies au désespoir et à la renaissance en seulement dix chansons, dix étapes d'un long et difficile voyage...

Alors on part, dans un besoin de relâche et de vivre autre chose, de découvrir et de se trouver... Il y a dans la musique une énergie communiquée par la rencontre surprenante de plusieurs styles illustrant chacun ce besoin de se dépenser: le rock, pièce maîtresse, illustré par des guitares aussi rythmiques (Take Off At Once) qu'hurlantes et saturées (Whispers, Hot And Strong). La danse est présente, jusqu'à l'épuisement, qu'elle soit invoquée par un côté disco 70's (Room 69) ou par ses rejetons les plus actuels et martelés, du rock indus (Running Out Of Love) à la jungle (Kiss From Paris). Chaque chanson revêt son propre style, sa propre identité, et la musique, plus qu'une simple base pour les paroles, devient un langage qui les complète et les fait vivre. Les guitares sont autant de voix apportées en choeur, les rythmes, autant de rouages d'une mécanique musicale entraînante et saccadée, tels ceux d'un véhicule fou qu'il faut dompter pour aller plus de l'avant.

Et les voix deviennent alors le témoignage des étapes successives rencontrées au cours de ce voyage effréné: fA,entre voix principale et choeurs, se parle et se réconforte, se donne la volonté de continuer, d'expérimenter, de vivre. Entre la voix de l'innocence enfantine devenant hystérique (Take Off At Once), et les choeurs angéliques et tentateurs (Kiss From Paris, Rancho Park Desert), le parcours, plus qu'un simple périple, devient une illustration de la vie telle qu'elle a été menée jusqu'à maintenant, entre enfance, adolescence et âge adulte, avec ses réminiscences et ses douloureux souvenirs...

Quant à l'histoire, elle nous est brillamment relatée, à chaque moment du voyage, par une chanteuse vivant pleinement ses textes, leur donnant souffle et vie, folie et vivacité. On pense à Patti Smith lorsqu'elle nous chante le ténébreux et fantastique Horses, et cette impression demeure tout au long de l'album. Mais on y croise aussi David Bowie (Rancho Park Desert) ou les défunts Manhole (Running Out Of Love). Chacune des chansons est vécue, et se veut de faire vivre l'auditeur, que ce soit lors des questions sans réponse que l'on se pose un lendemain de fête (Hot And Strong), ou lorsque l'accident laisse dans un état second (7 Drops).

Une fois ces bases musicales posées, il ne reste qu'à suivre ce cheminement brusque parfois, enragé souvent, fou et endiablé la plupart du temps. On roule à tombeau ouvert en laissant ce qui nous pèse derrière nous (Take Off At Once), on partage des soirées festives et débordantes aux lendemains difficiles (Hot And Strong) avant de repartir. Parfois en proie à l'hallucination (Rancho Park Desert, Whispers), on redescend pour vivre le contact des corps (Room 69) lorsque l'amour, physique et moral, manque (Running Out Of Love). Puis c'est la course, de plus en plus rapide et effrénée, la fuite et le désir de retrouver d'autres repères, jusqu'à l'accident (7 Drops) et le passage au coma, qui lui aussi apportera ses réponses (Welcome To Paradise); mais il n'est pas encore temps... Peut-être faut-il ralentir, mais il faut toujours vivre, courir, et parfois s'arrêter pour voir ce qui nous est donné, et pour se lancer de nouveaux défis (Kiss From Paris). Et là, alors que l'on croyait ne vivre qu'une cavalcade, on plonge à corps perdu dans l'intimité, le calme, et la confidence. La voix se fait plus douce et confiante, appelle à l'aide, se confie et se donne, dans un calme et un murmure que personne n'aurait pu soupçonner. Foolish Fervours, titre admirable de simplicité et de mélancolie, nous apaise, nous convie aux conclusions d'une expérience vitale forte et folle. Superbe écrin dans lequel la voix se repose, enfin... Avant que, par un titre caché à la colère sous-jacente, on comprenne que ce nouveau départ est un renouveau, une envie de voir et ressentir encore plus, plus fort, plus vite...

Girls Under Pressure est une épreuve, nerveuse et émouvante de sincérité et d'introspection. Mais c'est surtout un partage que l'on ne peut pas refuser, et dans lequel on donne sa propre vie, sa propre énergie, et dans lequel chacun se doit de vouloir communiquer après l'écoute... Chaque auditeur doit apporter sa pierre à l'édifice qui se construit, et qui est un magnifique témoignage de toute génération ayant vécu ce besoin de partir sur la route, de fuir, et de découvrir, en vivant pleinement chaque instant...

Rarely a musical and lyrical journey has so impressive but hard to endure; when first listening to this remarkable album, one feels as happy as well as hypnotized, after going with the musicians through hard times, questions, and a desperate wish to find a meaning to their lives; this CD is a kind of place where everybody will go through different experiences,ask themselves questions, with adrenaline running through their veins, needing cafeine, and running out of energy. First, Girls are under Pressure, and we can't but feel this; so, the only way to ease the pain is to drive along a road faster and faster,and live. Rarely people have gone from envy to despair and inner rebirth throughout ten songs, which are like ten breaks on a long hard road out of hell...

So, here we go, in need for rest and peace, and experiencing a new life and discoveries... The listener can hear many different styles in this amazing music, but all we need to do while hearing it is dance and move: mainly rock, thanks to rhythmic (Take Off At Once) and oversaturated guitars (Whispers, Hot And Strong). Dance is everywhere, either sounding as in earlier 70's (Room 69), or indus-rock (Running Out Of Love) and jungle music (Kiss From Paris),until people can't move anymore; Each song possesses its own identity and style; and music is more than a single basis, and becomes a language bringing lyrics to life.The guitars are like a unique musical choir, and the rhythm gives an entertaining and straight mood to the songs, which people have to be in harmony with in order to understand how they work.

Then, these voices are like a testimony for the different breaks taken during this dangerous journey:the vocals and choir perfectly complete each other, talk to and comfort one another, and are a motivation to go on, experience things, and live. The vocals sometimes sound like a childish, then hysterical noise (Take Off At Once), and sometimes angelic and alluring (Kiss From Paris, Rancho Park Desert); this journey is more than a single drive through unknown lands,for it becomes an evocation of the singer's past life: childhood, teen age and adult life, all having their own painful memories...

Then, the singer brilliantly tells us about this particular story and helps us understand it clearly, living through lyrics and bringing them to life, singing with madness and energy. One can't but think of Patti Smith's dark and sensational song Horses, and the listener feels this during the whole album. But the vocals also remind us of David Bowie (Rancho Park Desert) or Manhole (Running Out Of Love). Each song is very well-played and sung, and offers a living support to the listener, whether they talk about painful mornings (Hot And Strong) or a dreamy coma after a car accident (7 Drops).

Once this musical basis is in its right place, it is time to follow this sometimes hard, sometimes raging, and often crazy journey. We go for a fast drive, leaving painful things behind, (Take Off At Once). We are invited to funny and mad parties, but wake up the next morning in a strange and coma-like state of mind (Hot And Strong), then start again. Sometimes hallucinating (Rancho Park Desert, Whispers), we have to be comforted by touching someone else's skin (Room 69), since we miss physical and moral love (Running Out Of Love).Then we drive again, faster and faster; we leave our past behind and run for our future, before having a car crash (7 Drops) and being in a coma, then discovering unsuspected answers through it (Welcome To Paradise). But there is still a lot to do in this life... Perhaps one has to slow down, but live, run, and sometimes have a seat and stare at one's own life, and find new things to do (Kiss From Paris). Then, while the album only looked like a fast and mad journey, the listener now discovers a hidden side of the music and vocals which had never been heard before: we are struck by intimacy, quietness, and confidence.The voice becomes softer and kind, then calls for help, confides and shares, as a whisper nobody could ever hear...The remarkable and wonderful song Foolish Fervours brings peace and rest to the whole album, and puts an end to this mad journey through our inner hell.The voice can now rest and sleep, before another hidden song, full of inner wrath, shows us that a new journey is due to take place, as a renewal and a desire to live and feel stronger, faster, and louder...

Girls Under Pressure is a nervous but moving ordeal for the listener, but remains sincere and introspective in the way it is composed and sung. It is something we have to share and that we can't refuse to hear; we offer part of our own life when we listen to it, and we bring our own energy to communicate with others afterwards. Each listener can now help build this musical work and make it higher and higher; and this album testifies for every generation that was ready to leave everything behind and go away, walk on the road of life, discover, and live every day, as if it was the last one...

Tracklisting: 1. Can I 2. K's Ballad 3. Kiss My Neck

Tout d'abord, on se laisse envoûter par une voix douce et soul, et l'on sait immédiatement que, durant les trois titres de cet EP, il sera question de celà: être hypnotisé, et se lover dans une musique à la fois confortable et sereine, et se laisser bercer. Il y a beaucoup à découvrir, beaucoup à entendre, mais la première sensation évoquée des les premières notes vocales de Can I demeure, tout au long de l'écoute. Alix Ewandé possède cette voix qui vous fait rêver et fondre, elle s'immisce dans votre âme, par sa douceur et son aspect légèrement embrumé, comme beaucoup de chanteuses soul savent le faire. Elle captive, dans le sens où elle vous étreint, vous rend amoureux et respectueux. Elle est belle, secrète, et vous possède.

Chaque chanson révèle ainsi sa propre identité et illustration de ce que la véritable music soul signifie: des choeurs masculins et féminins de Can I aux sonorités plus R'n'B de Kiss My Neck, Ces trois titres nous permettent de voyager aux travers des styles musicaux les plus proches du sentiment de pureté et de dévotion à l'amour. Grâce à des structures musicales parfaites et aux sonorités très seventies des instruments utilisés (guitare sur Can I, orgue sur K's Ballad), tout est réuni pour entrer dans un univers faits de sons très oldies et réconfortants, et , malheureusement, de plus difficiles à entendre dans leur sens le plus respectueux. Les choeurs sont parfaitement utilisés et suscitent aussi bien l'interrogation (Can I) que la tentation (Kiss My Neck), et répondent à la voix principale de manière à lui apporter confort et dialogue, comme celà peut se trouver dans le blues ou la soul music. Ils se mêlent à la musique et prennent leur véritable place, soit parlant, soit chantant ou apportant une harmonie musicale subtile et profonde (Can I).

Mais malgré cet aspect 70's, Alix Ewandé se permet quelques libertés musicales qui rendent ses chansons encore plus originales et, grâce à cette touche personnelle qu'elle apporte, un renouveau aux styles précités. Les violons utilisés dans K's Ballad sont au premier abord surprenants, puis se fondent à la perfection dans la musique, et y prennent une place sucitant, après la stupeur, le respect. Avoir ainsi fait apparaître, dans une chanson aux consonnances soul et groove, cet instrument si particulier, confère une émotion encore plus intense, et adoucit la musique pourtant déjà docile qu'il nous est permis d'écouter. De plus, la batterie, au lieu d'être saccadée, revêt une souplesse et, parfois même, une tendresse sublime et impressionnante, fonctionnant ainsi comme un fil à suivre et une voix à elle seule (K's Ballad). De ce fait, chaque instrument parle, au sens propre du terme; il s'agit d'échange, de voix multiples, de conversations et de partages.

Tout est alors donné à la voix d'Alix pour la laisser nous séduire et nous attirer; qu'elle s'interroge (Can I), se veuille rassurante (K's Ballad), ou nous séduise et nous tente (Kiss My Neck), elle nous captive de bout en bout, tantôt, grave, tantôt murmurée et tentatrice, mais toujours chaude et émouvante. Elle nous donne son âme et son coeur. Elle nous fascine par sa profondeur et sa dévotion. Elle nous berce de ses sonorités brumeuses et immaculées, et fait naître en nous le désir de la connaître, la voir, l'entendre chanter devant nous, et pleurer (K's Ballad). Elle vit par cette musique si prenante, elle nous étreint et nous renverse, et nous fait l'aimer, un peu plus, à chaque écoute. Elle est espoir, séduction, et liberté. Elle nous fait fondre, de par sa sensualité (comment ne pas ressentir celle-ci en l'entend murmurer Kiss My Neck?) et sa plénitude, mais n'est jamais indécente. Tout est pur dans ses sentiments, et c'est ce qu'elle nous permet de traverser lors de ces trois chansons sentimentales et sensuelles; elle dessine les âmes et les corps, les paysages. Elle crée ainsi un intimisme très fort et apaisant, magnifique, et admirable.

Alix Ewandé est une chance pour la musique qu'elle défend. Elle lui apporte magnificence et nouveauté, elle rend hommage à ces artistes soul qui ont sûrement marqué sa vie et enrichi sa culture, et cet hommage est digne de figurer parmi les plus respectueux et originaux jamais portés. Elle est belle, et cette beauté se reflète dans une musique qui revêt, par cette dévotion, une vocation purificatrice; montrer enfin que la véritable musique soul est ainsi, et qu'elle signifie bien que, sans âme, elle ne pourrait exister... Elle cette âme se contemple, et se respecte, en attendant de nouvelles révélations à nos yeux déjà éblouis...

First of all, a hypnotizing and sweet voice possesses us; we immediatly understand that, thanks to this 3- track EP, this is what is going to happen: the listener will be hypnotized, and find comfort in this serene and peaceful music, and will be rocked with it. Of course, many things have to be heard and discovered there, but this first sensation, felt after listening to the first tunes of Can I, remains the same when one hears the other tracks. Alix Ewandé has a dreamful and attractive voice, reaching your soul, thanks to her sweet and foggy music , as lots of soul singers can do it.It is beautiful, secret, and possesses you...

Each song has its own identity, and goes for what soul music really means: from male and female choirs in Can I to R'n'B moods in Kiss My Neck, these three tracks take us to a journey through different musical landscapes where we can feel purity, love, and devotion. Thanks to perfect musical structures, and 70's-like instruments (guitar on Can I, organ on K's Ballad), everything here helps us go into an old-feeling but comforting universe, which is really hard to find in its best recreated sense nowadays.The choirs'parts are perfectly sung and used, and amazingly illustrate questions (Can I) or temptation (Kiss My Neck); they also stand for an answer to the main vocals, speaking, sharing, and comforting them. And such a style can only be heard in blues or soul music. They fit in each tune and take their real place, either speaking or singing, but always in a subtle and real harmony (Can I).

But apart from this 70's-like sound, Alix Ewandé creates an original and inventive music, thanks to a few personal sounds she adds to the tunes, in order to renew them. For example,the Violins on K's Ballad are first surprising, then take their own place and make us feel amazed and support this idea; making them appear in such a special and original way (after all, this song sounds like groove and soul in the first place) brings deeper and stronger emotions to the listener, and sweetness to the rest of the tune. Moreover,the drums, instead of being rough, get softer and warmer, and bring a shining and impressive tenderness to the whole song, as a red thread that has to be followed, and then become one of the song's voices (K's Ballad). So, Every instrument gets its own language, in its proper meaning; now, all of them can speak and share together.

Then, everything is ready to let Alix Ewandé's voice allure and attract us all; whether she asks for answers (Can I), tries to comfort us (K's Ballad) or hypnotizes and tempts us (Kiss My Neck), her voice is captivating from the beginning to the end; sometimes low, sometimes tempting and whispered, but most of the time,warm and moving. Sounding foggy and pure, she's rocking us, and invites us to know her, and feel together; all we want is watch her singing just in front of us, and cry (K's Ballad). Alix Ewandé lives thanks to her music, and captivates us;it is as if she were hugging and kissing us. One can't but love her, while listening to her music more and more. She stands for hope, seduction, and freedom. She's sensual (how can't we fall in love when hearing her sing the words Kiss My Neck?) and peaceful, but never indecent. All her feelings and needs are pure, and that's what she invites us to share thanks to those three sentimental and sensual songs; she seems to be drawing souls, bodies and landscapes. She then creates a strong and peaceful intimacy between her and the listener, and she's magnificent; one can't but admire her for this.

We are really lucky to know Alix Ewandé, and to have her as a representative of the kind of music she does. She brings beauty and renewal to soul music, and offers her testimony to the artists who certainly took a special part in her life, and influenced her musical culture; and this testimony is one of the most respectful and original ever made. She's beautiful, and her beauty appears in her music; her songs then acquire a kind of purifying devotion and value. She wants to show us what real soul music is, and the meaning of it,for without soul, no music can exist... And we all have to admire and respect her soul,we and wait for other revelations from her, which will doubtlessly shine into our eyes...

Après avoir entendu et ressenti des émotions si fulgurantes à l'écoute des extraits de leur album à venir (voir chronique), voir 21 Love Hotel suscitait un désir et une impatience hors normes, une envie de ressentir ces magnifiques chansons en direct, et surtout, pouvoir enfin rencontrer et admirer ces deux artistes dans un élément autre que le format, aussi merveilleux soit-il, d'un EP. Saisir l'occasion de retrouver l'identité et l'originalité du duo était donc primordial, voire obsessionnel: il fallait voir, sentir, vibrer. Et surtout se laisser porter par la curiosité: comment ces chansons allaient-elles prendre leur véritable dimension sur scène, devant un public venu nombreux à l'OPA, est comment l'intimité de cette musique aérienne, hypnotisante et superbe, pourrait-elle ressortir dans de telles conditions?

Et c'est alors que la surprise, aussi intense que la première écoute des pièces musicales du groupe, est apparue; cinq musiciens sur scène... Clémence et Frédéric, bien sûr, mais surtout, un batteur, un violoncelliste et un contrebassiste. Après l'étonnement, un sentiment d'impatience et d'excitation naît: comment retranscrire l'intimisme des compositions avec de tels instruments, et quels risques le duo avait-il décidé de prendre pour leur représentation? C'est surprenant, beau, original, et inattendu; avant même que les premières notes de Lonely Lady apparaissent, on comprend que, loin de reproduire fidèlement leurs oeuvres, les deux artistes veulent partager, sur scène, et hors de scène, une expérience unique, et dangereuse...

Dans de telles conditions, Clémence ne peut qu'imposer son charisme, sa voix magnifique, et son regard hypnotisant, paralysant. Elle est grâcieuse, que ce soit devant son micro aux allures rétro, lorsque qu'elle chante ou hurle dans un mégaphone, ou que, telle une princesse indienne, elle improvise des sons mélodieux et captivants sur un theremin posé juste face à elle. Alors, on observe, on admire, et on vit chaque chanson sous ce nouveau jour: que ce soit le final intense et inattendu de Gabriella's Wings, la voix de Clémence saturée sur Lonely Lady, l'émouvante profondeur de X-Mas Time, ou ce magnifique et profond avant-dernier morceau, on sait que l'on est, encore une fois, sous le charme du groupe. Comment ne pas admirer une telle démarche, aussi risquée soit-elle? Il faut faire plaisir et se faire plaisir, et 21 Love Hotel y est parvenu, sans aucune difficulté. Et alors que l'on croyait, face à ce véritable ensemble, perdre un peu de l'intimité des chansons auparavant entendues, lorsque les dernières notes s'achèvent, on comprend que l'on a encore vécu un instant particulier; là, dans ce petit espace, cette même intimité régnait entre les membres du groupe, sur scène, et grâce à ce qu'ils ont apporté au public.

Susciter et faire vivre une autre dimension de la musique; c'est ce que 21 Love Hotel, s'appropriant l'espace et l'atmosphère, est parvenu à accomplir ce soir-là. Oser, et donner; partager, et se donner... De telles émotions si difficiles à faire naître, et que le Clémence et Frédéric ont offert, en compagnie d'autres artistes... Emotionnellement, artistiquement, merci...

- Frédéric D. Oberland, pour sa disponibilité dans des conditions pourtant assez difficiles; Clémence Léauté, que je n'ai malheureusement pas pu voir; les artistes ayant partagé la scène, dont certains pour la première fois dans ce style de musique si particulier... Un grand bravo à tous...

- Nape, Marin Favre, et Punch, pour leur ouverture d'esprit, leur sympathie, et le temps si précieux passé ensemble... Merci à vous trois, sincèrement...

After listening and feeling so many powerful emotions thanks to the extracts from their forecoming album (see review), one couldn't but feel excited and impatient to see 21 Love Hotel playing their songs live, and be thankful enough to admire and meet those two amazing artists on stage, exposing their music to an intimate audience. The main aim was to find the duet's own identity and originality in such a particular context, and then get a kind of obsession; one had to see, feel, and vibrate. So, one couldn't but feel curious about it: how would those intemporal songs explore space on a stage, in front of a full audience here at the OPA, and what intimacy would the band create when performing their aerial, hypnotizing and wonderful music?

First, it was surprising, and this is why: against all odds, five musicians appeared on stage, although 21 Love Hotel was created by only two people: first appeared, of course, Clémence and Frédéric, but they were accompanied by a drummer, cello and contrabass... After feeling astonished by such a decision from the band, impatience and excitation took place: how would those intimate songs be performed with so many instruments, and what kind of risks was the band about to take when thy played their music on stage, in such conditions? It was as surprising as beautiful, original, and unexpected; before playing Lonely Lady's first tunes, one could understand that, apart from exposing their songs in the same way as on the album, both artists wanted to share, on the stage as well as out of it, and live a particular and dangerous experience with everybody...


But those risks made the band shine brighter to our eyes, and proved that 21 Love Hotel was more than a single duet, and that anybody could feel and live so many powerful emotions; everything here was delicate. From sweet then distorted strings arrangements and electro-folk rhythm guitar guiding each other's part, to heart-beating then soft drums, each player found his own place on the stage, and gave their own meaning to the songs. Then every musician felt comfortable while playing:the cello player was smiling and having fun,the contrabass player and Frédéric were extremely focused on the sound, and the drummer remained in tune and concentrated during the whole show (which is rare and spectacular in such a small place).The musicians listened to and answered each other, sharing pleasure in such a particular moment...

In such perfect conditions, Clémence imposed her charism,her wonderful voice, and her hypnotizing and paralyzing look. She was full of grace, whether singing in front of an old microphone, or howling in her megaphone; or, as an Indian Princess, improvising amazingly tuned sounds on her Theremin. So,one couldn't but stare at them, admire, and share each song played in completely renewed versions (intense and unexpected improvisation at the end of Gabriella's Wings, oversatured voice on Lonely Lady, deep tension on X-Mas Time, or an astonishing and captivating forelast song). The audience understood that, once again, the band displayed its charm and originality. So how couldn't we but admire such a powerful and risky way of playing? Thinking that the band would lose the intimacy of the songs if they played with five people on stage, however, when the show came to an end, everybody understood that this was another particular and impressive moment that was lived here; here, in such a small room, one couldn't but feel intimacy, again; first, between the different members of the band, then with the audience.

So, while giving another dimension to their music and inspiring such a deep respect when exploring the whole space, 21 Love Hotel made this evening special to everybody. They tried new things, took risks; and shared and displayed a lot of their art... Such deep emotions are really hard to bring to an audience, and Clémence and Frédéric offered them to all of us, thanks to other amazing artists... So, we have to thank them for this, emotionally, and artistically...

Slug

- Frédéric D. Oberland, for taking time to speak and share in such hard conditions; Clémence Léauté, even if I wasn't lucky enough to meet and thank her for this wonderful show (next time, I hope); all the artists, and especially the ones who played this style of music for the first time... Congratulations to everybody...

-Nape, Marin Favre, and Chrisophe (Punch), for being so open-minded and kind, and for sharing such a special moment with me... Huge thanks to you, sincerely...