le blog pastallconcerns

Des vagues de sons éthérés et de guitares et basses en delay se prolongent, se créent, s'entrecroisent et se découvrent au sein de cet album de Stigmata And The Hunter, et force est de constater que l'écriture et la composition sont d'une valeur assez peu commune. Loin de n'être qu'un simple projet expérimental de plus, incitant à la découverte d'une musique réservée à une certaine élite musicale, l'oeuvre présentée ici, et décomposée, telle une pièce de théâtre, en deux actes et cinq scènes, est émotionnellement chargée de sens et d'émotion. Distincts dans leur approche musicale, même si la base atmosphérique demeure omniprésente, ils illustrent à la perfection la dichotomie d'une oeuvre aussi poignante que troublante. les guitares deviennent plus incisives au fil des titres, les sons deviennent plus stridents parfois, les rares rythmes s'emmêlent et deviennent pulsatifs, tandis que voix et effets sonores tendent à l'omniprésence. De plaines industrielles en champs de révolte, les voix, tout d'abord murmures, se prononcent et s'élèvent, dénoncent ce besoin d'exulter et tendent à renforcer le désir d'implosion et de menace sous-jacents. Les vagues se soulèvent, captivent et intriguent, influent sur les nerfs de l'auditeur jusqu'à devenir obsédantes; plus qu'une simple écoute, tout ici devient un fort désir d'entendre plus, de ce plonger dans ce langage musical tout d'abord rebutant et mystérieux, mais bientôt indispensable et hypnotisant. Le son est à la fois sale et fluide dans son expression, torturé et pur, âpre et délicat. On pense à Set Fire To Flames et à leurs lentes évocations sonores d'un univers courant à sa perte, mais les pièces ici musicales, plutôt que de s'étirer en longueur, sont à vif, en écho l'une envers l'autre, et deviennent ainsi autant de réponses aux questions suggérées. Stigmata And The Hunter maîtrise à la perfection cet art de la suggestion, de la teneur musicale teintée de gris et de poussière, mais ce sont autant de particules sonores qui s'immiscent en nos esprits pour mieux se fondre dans nos cerveaux bercés et alertés. Une oeuvre aussi éprouvante que magnifiquement mise en scène, à découvrir et re-decouvrir dans chaque moment d'interrogation et d'obsessions...

Slug

Ethereal soundwaves and delay guitars and basses penetrate us, build themselves and are about to be discovered again and again thannks to this remarkable album from Stigmata And The Hunter; and one has to say, writing and composing here are more than brilliant.Far from simply being a new experimental project created for a kind of special musical elite, this piece of art is perfectly distructure, and appears like an essay composed with two acts and five scenes which are as tense as emotionally captivating.and moving. First separate in their musical approach, even if a tense and atmospherical basis is quite at first place, they perfectly stand for the inner division contained in this troubing and hypnotizing work of art. Guitars become stronger and heavier while music is in contant evolution, sometimes sounds are rougher and sharper, few rhythms stand for a heartbeat, while vocals and sound effects are straight and higher,then get the main place in the musical structure. Industrial and revolting lands appear to the listener's eyes, while voice of the unheard first whisper, then rise and denounce a need for explosion and inner menace. Waves also rise and then become captivating and intriguing while getting one anxious and tense, obsessive and omnious; and more than only being a motionless listening of the music, this instrumental piece of art fascinates and gets a mysterious but hypnotizing way of existing. Sound is as dirty as fluid, tortured and pure, rough and delicate. One thinks of Set Fire To Flames and the band's long and slow musical exhibitions of a disappearing world, but music here are shorter and straight-to-the-bone, and echo with each other, as answers to suggested and unasked questions. Stigmata And The Hunter perfectly understand what suggesting trully means, as grey and dirty tunes penetrate our souls and alert then rocking brains. This masterpiece is as moving as strange and genuine, and it has to be discovered again and again, during long and hard moments of questioning about oneself, and being a prey for our deepest obsessions...

Slug

Non, la musique électronique française ne se résume pas seulement aux vaines tentatives de Mirwaïs ou autres artistes que je ne préfère pas citer, quite à me faire traiter de puriste; tant pis... Pour apprivoiser le son en tant que matière première, il ne suffit pas de se contenter de mixer des sons de guitare à l'envers, créer des beats répétitifs et nus, mais sans âme; la musique électronique doit avant toute chose être une recherche du son lui-même, un creuset dans lequel chaque ingrédient doit apporter sa saveur, son âpreté, sa douceur. A la première écoute de cet EP de Peter Digital Orchestra, le trouble s'installe; comment une musique en apparence si simple, taillée pour le mix et la danse lascive, langoureuse et oserai-je dire, sexy, peut-elle être à ce point si élaborée dans cette force à approfondir le découverte de sonorités captivantes et entêtantes? On pense d'abord à ce que Mr. Oizo aurait pu créer s'il ne s'était pas contenté de se reposer sur les lauriers qu'une vidéo laissant apparaître une ridicule marionnette jaune lui a apporté (aux dernières nouvelles, le monsieur s'est reconverti dans la réalisation de longs-métrages; souhaitons-lui le meilleur, sincèrement). Mais au-delà de cette simple comparaison, l'auditeur découvre des grooves portés soit par des nappes synthétiques à la Boards of Canada, soit par des voix que Liam Howlett, dans un style totalement différent, n'aurait pas renié. Et c'est bien dans toutes ces audaces que le talent de l'artistes réside: soit en cassant le rythme, en le ralentissant, puis en l'accélérant, l'artiste crée un univers en constante évolution, sous de faux airs répétitifs. Aucune phrase musicale ne se répète et ne contient sa propre identité. On pourrait presque qualifier la musique de Peter Digital Orchestra d'electro-beat minimaliste et intelligent, grâce à ces expérimentations musicales surprenantes et intrigantes, pour peu que l'on se prête au jeu. Bien entendu, ce genre musical reste encore assez peu estimé par de nombreux musiciens issus de styles différents de ce dernier, mais dans le cas présent, il mérite réellement le détour. Ne serait-ce justement que pour découvrir ce que tout cet art cache vraiment: du travail, de l'exploration, de l'expérimentation, et une énorme dose de plaisir pour chacun. Insidieusement, rythmes et musiques s'immiscent dans les esprits, on se surprend à vouloir savoir quel rythme le corps pourra exprimer dans ces vagues d'énergie, de rythme, de funk et de groove; Juicy Lady est un disque curieux, sensé, entier, et intense; il suffit de s'ouvrir, de penser, de fouiller. Et, chose encore plus étrange, le virus s'insinue dans nos veines; tiens, si l'on essayait de faire de même, de découvrir les joies du mix, de créer une musique électronique qui pourrait revêtir une âme? A vos platines...

Slug

For those who still have doubts about this, let's make things clear: French electronica is completely different from what Mirwaïs or other artists I won't talk about here try to show and express. In order to understand what a sound is really like, the only way is not mixing reversed guitar sounds, create senseless and repetitive beats, but being a research for what sound is really MEANS. In such a case, each sound is like an empty pint in which each liquid or solid substance has to taste sweet, rough, delicate or sugary. While listening to Peter Digital Orchestra's EP, one is in real trouble: how can such a simple and ready-to-sexy-and slow-dance music sound like an elaborated and intelligent work, thanks to captivating and hypnotizing tunes? First of all, one thinks of what French DJ Mr. Oizo could have created and composed if he didn't only make money out of a video which featured a ridiculous yellow puppet (latest news are that this particular DJ is now directing movies; let's hope the best for him, really...). But apart from only putting these 2 artists on the same line, each listener can discover slow synthetic and Boards of Canada-like soundwaves or human vocals which Liam Howlett would certainly be delightful of, and an impressive groovy style, in Peter Digital Orchestra's music. And this is where it all starts; while breaking rhythm, slowing down or accelerating music, the artist creates a perpetually evoluting musical universe. No musical tune sounds like another one, and appears to go on its own. Peter Digital Orchestra's music could then be qualified as minimalist and intelligent electro-beat music, thanks to all these amazing and strange music researches; but one has to focus on it, and accept to play this particular game. Of course, such a musical style still remains with no interest for many musicians; and I can easily understand why (I'm one of them, so...); but don't miss such a chance to discover this genre, in order to discover what electronica really means: hard working, sound experiments, space explorations, and so much fun for everyone. And, maliciously, rhythm and music will penetrate eveybody's soul, and one will certainly ask how bodies will be able to move on such a musical style which is full of energy, funk, and groove. And, the more one will listen to it, the more the virus will spread, and each musician will (well, I hope so...) feel curious and try to compose the same stuff. Juicy Lady is then a curious, intelligent, complete and intense recording, and one needs to think of and explore each side of it. So, everybody on the dance floor, and let's mix!

Slug

Définir Enée en trois mots ? Entre deux eaux. C'est ce qui frappe à l'écoute de ses morceaux, dont cinq parmi les plus récents sont regroupés sous le titre My paradise. Le titre d'une de ses chansons le définit bien : Borderline, pris dans son sens littéral, c'est être à la limite entre deux mondes. Et en même temps c'est être ou se mettre à part : « I don't care, I'll stay by myself » dit un des couplets. Certes, on dira qu'Enée, ce n'est pas vraiment ça, qu'il chante surtout l'amour déçu, perdu. C'est vrai, c'est un sujet dominant chez lui : « I still got a key for you, if you need a place to sleep », les paroles de Just to hear from you, sur leurs accords mélancoliques, résonnent si justes aux oreilles. Qui n'a pas vécu cette situation douloureuse, quand l'amour n'est plus partagé mais qu'on a du mal à y renoncer ? On pourra aussi objecter que c'est un thème universel traité maintes et maintes fois. Encore une fois c'est vrai, mais ce qui est extrêmement intéressant dans la musique d'Enée, ce n'est pas le sujet, c'est comment il le traite. Ce que traduit son univers, ce n'est pas ce qu'on a entendu vingt fois à la radio. C'est un autre angle de vue, qui n'exprime pas que du chagrin, de la frustration ou de la peur : « there's suddenly a gap, a black hole before me, that keeps me from moving, that makes me scared » sur des rythmes effrénés d'angoisse. Enée est un maître de l'entre-deux : entre deux situations, entre deux sentiments, entre deux sensations, entre deux idées. Ce qu'il traque avec brio, c'est ce moment où les choses flottent, restent indéfinies. Ni blanc, ni noir. Le purgatoire entre l'enfer et le paradis est censé être un lieu neutre, le rien, le néant. Mais le milieu n'est pas vide ; les morceaux d'Enée nous prouvent au contraire sa richesse : on croit qu'il s'agit juste d'un passage entre deux pôles, mais dans la vie de tous les jours, on avance constamment sur une ligne frontière. Cet équilibre sur la corde se traduit de mille et une façons, quand on ressent par exemple un indéfinissable manque dans sa vie. La réponse est limpide : « I simply exist » nous murmure le refrain de la chanson Exist, où la guitare triste semble vouloir interrompre le passage du temps. C'est le cas aussi lorsqu'on ne sait plus ce qu'on veut, ni ce qu'on ressent au moment d'une rupture : un rapport ambivalent à l'autre si bien exprimé par les mots « you're not ready to stay, you're not ready to leave » d'End of a story. Naviguer entre deux met à part, isole : « there's nobody else except my voice » nous dit We pretend. Car il est aussi un moyen d'essayer d'appartenir à deux mondes différents, de faire une chose et son contraire, d'être à la fois moi et les autres, dans une tentative d'embrasser le Tout. La justesse de l'approche d'Enée est de mettre le doigt sur un symptôme de notre monde moderne, tellement mondialisé qu'il nous pousse à chercher à maîtriser parfaitement tout ce qu'il contient. Chimère qui rend fou… et qu'on perçoit dans la litanie des désirs, martelée par les accords de That's all I need. Cette petite voix aiguë, calme et douce sur des accords de guitare grave et des rythmes nerveux, voire frénétiques, comme dans Light comes, c'est le symbole de la schizophrénie de notre société. Le mélange d'inspiration entre les racines du rock et les méandres de l'électro est un autre exemple illustré par Memories ; de même, on croit entendre une berceuse dans Lonely man, mais on sent que tout est en tension, comme un arc prêt à lâcher une flèche. Enée chante la folie imperceptible du quotidien de notre monde contemporain. Et quelle schizophrénie délicieuse !

Fluffy


How to define Enée's music? Just below the surface, between the sky and the deep blue sea. This is the most striking idea coming in mind when you listen to his songs, of which five are gathered in the new EP My paradise. The title of one of his songs summarises perfectly Enée: Borderline, which means in his literal sense "being on the line that divides one area from another". At the same time, it also includes the idea of "being apart", voluntarily or not: « I don't care, I'll stay by myself » says one of the verses. Some will rather emphasise that Enée's music is not really below the surface, that he is above all the singer of the love lost, disappointed. Of course, this topic is truly important to him: we still have in our ears « I still got a key for you, if you need a place to sleep », the lyrics of Just to hear from you played on melancholic rhythms. They are so exact, so true. Who hasn't experienced such a painful situation, when love is not shared anymore but impossible to give up? Some other could object that this universal theme is "déjà vu", used many times before. This is true again, but what's extremely interesting in Enée's music is not what he is dealing with, but how he does it. What his world contains is not what we listened to a thousand times on the radio. It is another point of view, which expresses not only sorrow, frustration, fear, like « there's suddenly a gap, a black hole before me, that keeps me from moving, that makes me scared » on anxious, reckless tunes. Enée is the headmaster of in-between: between two feelings, two situations, two sensations, two ideas. He is chasing brilliantly this moment in which things remains undefined, wavering. Neither white, nor black. The purgatory between hell and heaven is supposed to be neutral, deserted, blank. But the middle is never empty; on the contrary, Enée shows us how rich it is. We think that it is merely a route between two shores, but in everyday life we always walk in the middle, on a borderline. We have thousands of opportunities to observe the way we keep our balance on this particular string: when we feel something's missing in our life for instance. The answer is clear: « I simply exist » whispers the tune of Exist, in which the sad guitar tries to interrupt the course of time. It also the case when we stay puzzled just after a break-up, without understanding exactly what we want or what we feel: End of a story tells perfectly this ambiguous relationship with the other through these words « you're not ready to stay, you're not ready to leave ». If we are in between, we are kept apart, isolated: « there's nobody else except my voice » is humming We pretend. Because to remain in-between is also a way to run with the hare and hunt with the hounds, do something and the opposite, be myself and the others at the same time, in an attempt to seize the whole story. Enée's approach is so much relevant: he points out a silent disease of our modern world, which proved to be so globalised that we feel compelled to control perfectly all the things inside. A dream that turns you mad… and that we can grasp in the long list of desires hammered by the beating tune of That's all I need. This little high-pitched voice, singing soft and sweet on the low guitar chords and on the energetic, almost frantic rhythms, like in Light comes, is the symbol of our society's schizophrenia. The mixed-up inspiration between rock roots and electro twists and turns is another example illustrated by Memories; seemingly, we think we are listening to a child lullaby in Lonely man, but we feel everything under pressure, tense like a bow ready to send its arrow. Enée is singing the invisible madness of our world's everyday life. What a delightful and charming schizophrenia!


Fluffy